http://edit-publis-shs.univ-rouen.fr/eriac Polygraphiques - Collection numérique de l'ERIAC EA 4705 fr https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1101.html Romanticism – that “notoriously slippery concept” generally taken to refer to the heterogeneous cultural and intellectual movement that reared its hydra head in the overlapping revolutions of the late eighteenth and early nineteenth centuries1 – has always been prone to thorny ramification. Overleaping temporal and geographical boundaries, branching out from continental Europe to the British Isles and across the Atlantic, it has, since its earliest manifestations, undergone such restless self-division and off-shooting as to necessitate its own constant revisionist history: as Seamus Perry remarks, the “difficulty is not just knowing what it really means, but knowing even how to go about deciding what it really means”.2 Already in the early twentieth century, A. O. Lovejoy was arguing that, as a singular noun, the designation had drifted into meaninglessness: “When a Romanticism has been analyzed into the distinct ‘strains’ or ideas which compose it, the true philosophical affinities and the eventual practical influence in life and art of these several strains will usually be found to be exceedingly diverse and often conflicting”.3 However, if such wayward internal diversity and conflict have sometimes been seen as a threat to any coherent understanding of the movement, and to the academic disciplines which have sprouted up around it, they have also helped to ensure that the Romantic tradition retain its uniquely barbed, ceaselessly fascinating brand of resilience well into th Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1101.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1103.html Si Fitzgerald n’a cessé de dire son admiration pour la poésie keatsienne, et si l’influence de celle-ci transparaît à tous les niveaux de son écriture, dans les aspirations romantiques de ses héros qui s’épuisent à vouloir recréer, éperdument, le suspens d’un émerveillement au sein d’une Amérique déchue, mais aussi dans les nuances claires-obscures de ses rivages, et jusque dans le titre de Tender Is the Night, emprunté à « Ode to a Nightingale », la dénaturation des rêves romantiques est néanmoins souvent considérée comme la seule expression du désenchantement américain dans les années vingt. Cet article entend cependant montrer que, dans The Great Gatsby et Tender Is the Night, l’écriture fitzgéraldienne renoue avec une « capacité d’émerveillement » non plus naïvement vouée à élever l’esprit vers une vérité éternelle, mais éminemment consciente de la finitude humaine, de la menace du désenchantement et de l’imminence de la perte. C’est en renouant avec les vertus du renoncement, en acceptant lucidement l’échec et le déclin vers une nuit mortifère que l’écriture moderniste de Fitzgerald serait véritablement keatsienne – et américaine. Fitzgerald ceaselessly expressed his admiration for Keats’s odes and the influence of Keats’s poetry appears at every level of his writing, in the aspirations of his characters who exhaust themselves in their desperate attempts to recreate the dreamlike decors in a fallen America, in the chiaroscuro nuances of his shores, and even in the title of Tender Is the Night, borrowed from “Ode to a Nightingale.” The distortion of Romantic dreams is thus often considered as an expression of American disenchantment in the 1920s. Nevertheless, this article aims to show that, in The Great Gatsby and Tender Is the Night, Fitzgerald's writing reconnects with a “capacity for wonder” that is no longer naively devoted to elevating the spirit towards some eternal truth, but is acutely aware of human finitude, the threat of disenchantment, and the imminence of loss. It is by reconnecting with the virtues of renunciation, by lucidly accepting failure and decline towards a deadly night, that Fitzgerald's modernist writing is truly Keatsian – and American. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1103.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1105.html This article examines the ways in which the letters of John Keats get meaningfully folded into, and take on an uneasy new existence within, two very different works of contemporary fiction: Ian McEwan’s bestselling novel, Enduring Love (1997), and Geoffrey D. Morrison’s debut novel, Falling Hour (2023). Without resuscitating Keats as a biofictional character, both novels engage with his life and writing in significant ways, attesting to the continuing intellectual and symbolic appeal, as well as the slipperiness, of one of English literature’s greatest poet-practitioners of the epistolary form. Despite their patent differences in content and form, the novels’ respective interrogation of timeworn Romantic tropes – and, in particular, their ambivalent recourse to Keats’s letters – makes them worthy of comparative study. Bringing them into dialogue is offered here as one way of rethinking an intriguing contemporary offshoot of the Keatsian legacy. Cet article se propose d’explorer la manière dont les lettres de John Keats sont intégrées à deux œuvres contemporaines très différentes l’une de l’autre, le roman à succès d’Ian McEwan, Enduring Love (1997) et le premier roman de Geoffrey D. Morrison, Falling Hour (2023), dans lesquels elles acquièrent une existence nouvelle et complexe. Sans ressusciter Keats en tant que personnage « biofictionnel », ces deux romans dialoguent de manière substantielle avec sa vie et son œuvre, témoignant de l’attrait intellectuel et symbolique persistant – ainsi que de la dimension insaisissable – de l’un des plus grands poètes-praticiens de la forme épistolaire de la littérature anglaise. Malgré les différences importantes entre ces deux romans, tant sur le fond que sur la forme, l’interrogation qu’ils mènent respectivement sur plusieurs tropes romantiques et, plus particulièrement, leur recours ambivalent aux lettres de Keats, justifient leur étude comparative. Les mettre en dialogue est proposé ici comme une façon de repenser une ramification fascinante de l’héritage keatsien. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1105.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1106.html Romantic elegies for young deceased poets continue to inform the multifaceted image of the iconic immortal artist to this day. This article begins by reconsidering two works which proved instrumental in establishing the cliché of the misunderstood, maligned and mistreated Romantic genius: Coleridge’s “Monody on the Death of Chatterton” and Shelley’s Adonais: An Elegy on the Death of John Keats. Interestingly, these elegies provide a double portrait – of both the commemorated (deceased) poet and the (living) poet doing the work of commemoration – in their related melancholic, narcissistic way of mourning. This offers a fitting key to the study of the Romantic roots of artistic (self)representation that seems to have become a theme of its own in twentieth- and twenty-first-century rock mourning culture. After an initial focus on the Romantic elegies, this article zooms in on modern elegies for young deceased rock stars: Jim Morrison’s “Ode to L.A. While Thinking of Brian Jones, Deceased” and Patti Smith’s “Break It Up”. These elegies can be read as Romantic offshoots insofar as they offer double portraits of the mourning artists who also narcissistically mourn themselves. Les élégies romantiques consacrées à de jeunes poètes disparus continuent encore aujourd’hui de nourrir l’image multiforme de l’artiste immortel et iconique. Dans un premier temps, cet article se penche sur deux textes qui ont joué un rôle déterminant dans la formation du cliché du génie romantique : « Monody on the Death of Chatterton » de S.T. Coleridge et Adonais: An Elegy on the Death of John Keats de P.B. Shelley. Ces élégies dressent un double portrait : celui du poète commémoré et celui du poète qui accomplit cette commémoration, dans une expression du deuil empreinte de mélancolie et de narcissisme. Cette relecture permet de mieux appréhender les racines romantiques de l'auto-représentation artistique, thème central dans la culture du deuil qui caractérise le rock aux xxe et xxie siècles. Après s'être intéressé aux élégies romantiques, cet article se concentre ensuite sur des élégies modernes dédiées à de jeunes stars du rock disparues : « Ode to L.A. While Thinking of Brian Jones, Deceased » de Jim Morrison et « Break It Up » de Patti Smith. Ces élégies peuvent être considérées comme des prolongements du romantisme dans la mesure où elles offrent des doubles portraits d’artistes endeuillés qui, de manière narcissique, font également le deuil d’eux-mêmes. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1106.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1111.html Having observed that the depiction of authors on film is largely based on the Romantic conception of authorship and that the author biopic can therefore be considered as a “Romantic offshoot”, this article examines the representation of two female real-life writers associated with Romanticism in Haifa Al-Mansour’s Mary Shelley (2017) and Frances O’Connor’s Emily (2022). It explores the diverse ways in which the fictional work of these writers fuels the biopics at the same time as the literary figures are redefined, “re-authored” (Franssen and Honings) by the films. It first inscribes the films in the landscape of the contemporary literary female biopic and shows how literary authorship is at the heart of Al-Mansour’s and O’Connor’s respective productions, which can be termed romantic, with and without a capital “R”, as they both take up the idea of the solitary genius and go about defining the two women writers through love stories. The article then shows how the fictional universe of the novels is instrumentalised and appropriated, before turning to the role of the physical books and the activity of writing in the films, all with the prospect of conveying an empowering image of female authorship. Après avoir observé que la représentation des romanciers au cinéma repose en grande partie sur la conception romantique de la création littéraire et que les biopics consacrés aux auteurs peuvent donc être considérés comme des « ramifications du Romantisme », cet article examine la représentation dans Mary Shelley (2017) de Haifa Al-Mansour et Emily (2022) de Frances O’Connor de deux écrivaines associées à ces cercles littéraires. Il explore les différentes façons dont l’œuvre de ces autrices alimente les biopics, tandis que ces figures littéraires sont elles-mêmes redéfinies, « réécrites » (Franssen et Honings) par les films. Cet article inscrit d'abord les films dans le paysage du biopic littéraire féminin contemporain et montre comment la création est au cœur des films d’Al-Mansour et d’O’Connor, que l’on peut qualifier de romantiques, avec ou sans majuscule, car ils reprennent toutes deux l’idée du génie solitaire et définissent les deux écrivaines à travers des histoires d'amour. L'article montre ensuite comment l'univers fictionnel des romans est instrumentalisé et approprié, avant de se pencher enfin sur le rôle des livres physiques et de l'activité d'écriture dans les films, ce qui permet de mettre en évidence la façon dont ces œuvres cherchent à véhiculer une image valorisante de l'écriture féminine. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1111.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1113.html This article aims to take the intertextual relationship between Taylor Swift’s folklore era (2020) and a canonical Romantic text, William Wordsworth’s Lyrical Ballads (1798), as the basis for a reading of the former’s ideological significance in the 2020s. While addressing direct references to Wordsworth in Swift’s lyrics, the article focuses on matters of form: it argues, through an analysis of several Lyrical Ballads and Swift’s “tolerate it”, that the folklore era adopts a particularly Wordsworthian kind of pastoral, one melded with the georgic mode. The rest of the article traces the implications, both literary and social, of this formal intertextuality. Having established the relation of Wordsworth’s pastoral-georgic to the changes in labour relations of the early Industrial Revolution, it goes on to outline the kinds of labour to which the georgic element of Swift’s pastoral-georgic might relate, and – through a brief analysis of another intertext, the online “cottagecore” aesthetic – adumbrates the kind of ideological position Swift’s albums might occupy in relation to contemporary labour relations. This analysis culminates in sustained close readings of “ivy” and “seven”, which demonstrate that the ideological production of Swift’s songs – a critique of the corrosive effects of capitalism on affective labour and solidarity – is possible only through their intertextual relationship to Romanticism, and to Wordsworth in particular. Cet article prend pour point de départ la relation intertextuelle entre la « folklore era » (2020) de Taylor Swift et un texte romantique canonique, Lyrical Ballads (1798) de William Wordsworth, afin d’examiner la signification idéologique de l’album dans les années 2020. L’article s’intéresse aux références directes à Wordsworth dans les paroles de Swift, mais se concentre aussi sur des questions de forme pour montrer comment folklore s’inscrit dans un mode pastoral particulier, car associé au mode géorgique, et en cela inspiré de la pastorale wordsworthienne. L’article retrace ensuite les implications à la fois littéraires et sociales de cette intertextualité formelle. Après avoir établi le lien entre la pastorale de Wordsworth - et sa dimension géorgique - et les transformations des relations de travail au début de la Révolution industrielle, l’article étudie les modèles de travail auxquels l’élément géorgique de la pastorale de Swift fait écho. Le recours à un autre intertexte – l’esthétique « cottagecore » – permet aussi de mieux saisir la position idéologique que révèle Swift à travers ses représentations contemporaines du travail. Enfin, la lecture approfondie de « ivy » et « seven » démontre que la portée idéologique des textes de Swift – qui dénoncent les effets corrosifs du capitalisme sur le travail affectif et la solidarité – ne se conçoit que dans sa relation avec le romantisme, et avec Wordsworth en particulier. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1113.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1124.html This article explores the enduring perception of fungi as monstrous and taxonomically unstable, tracing its roots to eighteenth-century botanical debates and examining its legacy in Romantic writing and contemporary environmental fiction. In the late eighteenth century, fungi held an uncertain position within natural classification systems. While traditionally grouped among plants, figures such as Linnaeus and Erasmus Darwin exposed their ambiguous status between vegetal and animal realms. Their cryptogamic reproduction, rapid growth, and association with decay fostered anxieties about hybridity, monstrosity, and porous biological boundaries. Building on the work of Theresa Kelley and Susannah Gibson, I examine how these scientific uncertainties were amplified through the Romantic poetic imagination. In texts by Erasmus Darwin, William Blake, and Percy Shelley, fungi become agents of cross-kingdom transformation, disease, and the dissolution of human identity. Romantic poetry thus draws on taxonomic instability to interrogate pastoral conventions and explore the limits of the human. The article then assesses the legacy of that perception, turning to the contemporary video game and TV series The Last of Us, in which a mutated strain of cordyceps transforms humans into fungal hybrids. I argue that in both media, the representation of fungal contagion inherits Romantic anxieties about hybridisation. Drawing on Terry Gifford’s concept of the post-pastoral, I suggest that the series stages ecological catastrophe in order to reimagine humanity as embedded within a dynamic, interconnected ecosystem. The Romantic reconfiguration of taxonomy and the pastoral thus continues to shape contemporary visions of the posthuman. Cet article analyse la vision persistante des champignons comme êtres monstrueux et taxinomiquement instables, en retraçant ses origines dans les débats botaniques du xviiie siècle et en examinant son héritage dans la littérature romantique et la fiction environnementale contemporaine. À la fin du xviiie siècle, les champignons occupent une position incertaine dans les systèmes de classification. Quoique traditionnellement classés parmi les plantes, leur statut ambigu entre règnes végétal et animal est souligné par Linné et Erasmus Darwin. Leur reproduction cryptogamique, leur croissance rapide et leur association à la décomposition nourrissent des inquiétudes liées à l’hybridité, à la monstruosité et à la porosité des frontières biologiques. En m’appuyant sur les travaux de Theresa Kelley et Susannah Gibson, je montre comment ces incertitudes sont amplifiées par l’imaginaire romantique. Chez Erasmus Darwin, William Blake et Percy Shelley, les champignons deviennent des acteurs de transformation d’un règne à l’autre, de maladie et de dissolution de l’identité humaine. La poésie romantique mobilise ainsi l’instabilité taxinomique pour interroger la pastorale et explorer les limites de l’humain. L’article se tourne ensuite vers le jeu vidéo et la série télévisée contemporains The Last of Us, où une mutation du cordyceps engendre des hybrides fongiques. J’avance que la représentation de cette contagion, dans ces deux formes narratives, prolonge les inquiétudes romantiques liées à l’hybridation. En m’appuyant sur la notion de post-pastorale de Terry Gifford, je suggère que l’œuvre met en scène une catastrophe écologique pour repenser l’humanité au sein d’un écosystème dynamique et interconnecté. La reconfiguration romantique des taxinomies et de la pastorale éclaire ainsi les imaginaires contemporains du posthumain. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1124.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1128.html This article explores how Byron's “Darkness” and Cain, A Mystery, set up the bases of two very strong trends of science-fictional literature: post-apocalyptic fiction and climate fiction. The article first proposes to give a close look at these two works which reveal much of the Romantic poet's vision of apocalypse, as well as his uncannily precocious intuition of humankind’s transience on this planet. It then pays specific attention to Dan Fogelman’s television series Paradise (2025) as a direct heir to Byron in many ways. Finally, making use of Harold Bloom's theory of influence, it discusses what this anticipational reading does to the original works: how it has become impossible, in the third decade of the twenty-first century, not to read them as pre-post-apocalyptic literature. Cet article se propose d'analyser la façon dont “Darkness” et Cain, A Mystery  de Byron ont contribué à poser les jalons de deux courants importants de la littérature science-fictionnelle : la fiction post-apocalyptique et la fiction climatique. Il s'agira, dans un premier temps, d'explorer la vision apocalyptique du poète romantique, telle qu'elle apparaît dans ces deux œuvres, et notamment son intuition précoce du caractère éphémère de la présence humaine sur cette planète. Prenant pour objet la première saison de la série télévisée Paradise (Fogelman, 2025), l'article suggère ensuite l’existence de liens de parenté importants, pour ne pas dire d'hérédité, de cette série avec la pensée de Byron. Enfin, Harold Bloom et sa théorie de l'influence permettront d’examiner l'effet de telles filiations sur l'œuvre originale, ou comment il devient impossible aujourd'hui de lire "Darkness" et Cain comme autre chose que de la littérature pré-post-apocalyptique. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1128.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1130.html This article examines the adaptation of two poems from William Blake’s Songs of Innocence (1789), “The Ecchoing Green” and “Spring”, plus the fragment “Eternity”, by the Ukrainian progressive rock band Karfagen and its main composer, Antony Kalugin, in the album Birds of Passage (2020), whose title is also borrowed from a poem by Henry Wadsworth Longfellow. This transtextual study shows that, although Blake’s poems are not fundamentally altered, they are nonetheless transformed, as the association of the two poets already suggests, to fit Kalugin’s music and the theme of flight to the safer world of innocence. This also raises the question of the composer’s motivations for using these poems and of the extent to which his work composed over the 2019-2023 period can be considered as a Romantic offshoot. Cet article étudie l’adaptation de deux poèmes de Chants de l’Innocence (1789) de William Blake, « The Ecchoing Green » et « Spring », ainsi que le fragment « Eternity », par le groupe de rock progressif ukrainien Karfagen et son compositeur principal Antony Kalugin, sur l’album Birds of Passage (2020), dont le titre est également emprunté à un poème de Henry Wadsworth Longfellow. Cette étude transtextuelle montre que, même si les poèmes ne sont pas modifiés en profondeur, ils sont néanmoins réécrits, comme l’association des deux poètes le présuppose déjà, afin de correspondre à la musique de Kalugin et à son thème de l’envol pour le monde plus paisible de l’innocence. Cela conduit aussi à s’interroger sur les motivations du compositeur et à se demander jusqu’à quel point ses albums composés entre 2019 et 2023 peuvent s’inscrire dans la tradition romantique. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1130.html https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1132.html Since its discovery in the 18th century, the polypus has fascinated scientists as much as it has disturbed them. The first known animal to reproduce asexually, it intrigued naturalists and inspired writers who did not know if it was an animal or a plant. Erasmus Darwin, both a poet and a man of science, devoted some of his reflections to it in his work Zoonomia (1794-1796), as did his engraver, William Blake, who made it a poetic symbol with a protean character, evolving according to his writings, from The Book of Los (1795) to Milton (c. 1804-1811). If this creature is complex and protean, it is generally associated with vegetation: its tentacles seem so many roots, symbols of the alienation of beings in the material world of generation. More than a century later, it was another author, an admirer of Blake, Howard Phillips Lovecraft, who reappropriated the figure of the polypus, playing with Blake’s codes of representation to better integrate it into a monstrous pantheon of his own, in particular in his short story “The Shadow Out of Time” (1936). In addition to the poetic treatment of the polypus and its literary genealogy, this article will also study the evolution of its visual representations. It will focus on Ian Culbard’s adaptation of Lovecraft’s short story in the form of a graphic novel in 2013, to observe the extent to which the polypus extends its sprawling influence on the Romantic and post-Romantic imagination, from Blakean engravings to modern graphic novels. Depuis sa découverte au xviiie siècle, le polype inquiète autant qu’il fascine. Première créature connue à se reproduire de façon asexuée, il a d’abord intrigué les écrivains comme les naturalistes : était-il animal ou végétal ? Erasmus Darwin, à la fois poète et homme de science, lui a consacré certaines de ses réflexions dans son monumental essai Zoonomia (1794-1796). William Blake, qui l’a illustré, fait du polype un personnage protéiforme évoluant au gré de ses œuvres, dans The Book of Los (1795) comme dans Milton (c. 1804-1811). Si cette créature semble complexe et changeante, elle demeure toutefois toujours associée à la notion de végétation : ses tentacules se font racines, symboles de l’aliénation des êtres dans le monde matériel de la génération. Plus d’un siècle plus tard, c’est un autre auteur, admirateur de Blake, Howard Phillips Lovecraft, qui s’est réapproprié la figure du polype, jouant avec les codes de représentation blakiens pour mieux l’intégrer à son pandémonium personnel, en particulier dans sa nouvelle « The Shadow Out of Time » (1936). Outre le traitement poétique du polype et sa généalogie littéraire, cet article étudiera également l’évolution de ses représentations visuelles. On analysera ainsi l’adaptation de cette même nouvelle de Lovecraft par Ian Culbard en 2013 sous la forme de roman graphique, pour observer dans quelle mesure le polype étend son influence tentaculaire sur l’imaginaire romantique et post-romantique, des gravures blakiennes aux romans graphiques contemporains. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100 https://publis-shs.univ-rouen.fr/eriac/1132.html